De Vere y Herri Gardens

   Que una orquesta de jazz perdure durante 30 años es un difícil logro, si esta es europea lo es doblemente y si lo hace regalándonos el magnífico triple disco que en 2007 conmemoraba este acontecimiento, obviando lo mucho que desconocemos sobre todo lo que se edita, no podemos sino tenerlo como el mejor disco de jazz del 2007. Todo el proyecto en un sueño, y así se titula el primero de los discos de la Viena Art Orchestra, American Dreams, donde los temas se inspiran en las estrellas femeninas del cine americano, de Jean Harlowe a Bette Davis, llevándonos a los sonidos de las grandes big bands estadounidenses de la primera mitad del siglo pasado. Tanto en los títulos como en las interpretaciones encontramos la inteligencia y el humor que siempre ha caracterizado  a su fundador y director Mathias Rüegg, así encontramos títulos como “Grace Kelly (One Day My Prince Did Come)” emparentándola, claro está, con el standard dysneysiano “Some Day My Prince Will Come”, “Judy Garland (Wizards & Blizzards)”, donde escuchamos motivos de “Over the Rainbow”, o una potente y enérgica “Mae West (Bombs and Other Shells)”, así hasta trece sueños.

   El segundo de los discos, European Visionaries, está dedicado a grandes pensadores del viejo continente y en él el sonido, sin dejar de sonar a big band, derrota por caminos de la música sinfónica europea, algo muy habitual en la banda.

   En Visionaries and Dreams, el tercer disco, nos llevan al mundo surrealista de emparejar un personaje de cada disco anterior llevando esto al terreno musical, jazzístico por supuesto, encontrándonos con temas como “Rita Haywort meets Isaac Newton”, “Katharine Hepburn meets Voltaire” o “Jayne Mansfield meets Sigmund Freud” que es el tema que pondremos, simplemente por ser el último, realmente no sabríamos elegir solamente uno.

   Si el año pasado hablábamos del disco de Thelonius Monk Y John Coltrane grabado en el Carnegie Hall en 1957 y no publicado hasta 2005, este año pasado hemos conocido otra grabación inédita hasta ahora, el concierto del Charles Mingus Sextet con Eric Dolphy grabado en la universidad de Cornell en 1964. Si este disco no es tan importante como aquel se debe a que ya existían grabaciones de la misma formación en aquel año, pero su importancia radica en el momento de madurez en que se encontraba el grupo. La duración de los temas nos obliga a restringir nuestra elección.

   En cuanto al jazz español, apostamos por lo seguro; de la unión de tres grandes maestros como Javier Colina, Marc Miralta y Perico Sambeat solo puede salir algo bueno, ya nos lo demostraron en “New York  Flamenco Reunión”, y ahora solos en trío han cumplido las expectativas.

   Por aquí se asocia el rigor del invierno, las mañanas de cristal de Enero, las nieves y las ventiscas, con la llegada de las bandas de avefrías. Las vemos en grupos en los pastizales, en las dehesas, andando o volando blandamente con su bello plumaje contrastado en blanco y tonos de un verde tornasolado y su airosa cresta. A uno le trae el recuerdo de lejanas mañanas de neblina entre los encinares, del ladrido excitado de los perros, del olor a cuero, y su grito estridente y melancólico resulta inevitable asociarlo con campos abiertos y desolados. Trae consigo algo de los páramos inhóspitos y de los brezales norteños donde vive el resto del año.

  Para nosotros, está intimamente asociada a la literatura inglesa y escocesa. Su grito lastimero se escucha en The Comedy of Errors: "Lejos del nido, grita la avefría" o corre, recien salida del huevo con restos del cascarón en la cabeza en Hamlet. Aparece en Robert Burns "The green-crested lapwing" la avefría de verde cresta, en Walter Scott, o como no, en Stevenson, pero la obra hacia la que nos arrastra irremisiblemente es Cumbres Borrascosas, la impetuosa, desatada y fieramente romántica obra de Emily Brontë:

   "-Ésta es de pavo -murmuró para sí misma-. y ésta de pato salvaje, ésta de paloma. Ay, han puesto plumas de paloma en mi almohada: ¡con razón no me moría!  Las tiraré al suelo cuando me acueste. Ah, y aquí hay una de grévol, y ésta...vaya,ésta la reconocería entre mil, ¡es una pluma de avefría! Lindo pájaro, volando en círculos sobre nuestras cabezas en medio del páramo. Quería volver a su nido porque se cernían las nubes y sentía como se aproximaba la lluvia. Ésta pluma la cogieron entre los brezos porque al pájaro no lo pudieron cazar: en el invierno encontramos su nido y estaba lleno de pequeños esqueletos. Heathcliff puso un trampa en él, pero los padres no se atrevieron a volver. Le hice prometer que no mataría más avefrías, y cumplió su palabra. ¡Sí! ¡Aquí hay más! ¿Mató a mis avefrías, Nelly? ¿Hay sangre en las plumas? Déjame ver." 

   En 1976 una jovencita de 17 años sale del cine de ver una de las varias adaptaciones cinematográficas de “Wuthering Heights”, se trata de la dirigida por Robert Fuese, no del clásico dirigido por William  Wyler, ni de la libre adaptación que hiciera de ella Buñuel en “Abismos de pasión”, las emociones que vive viendo esa película le llevan a la composición de una canción del mismo título; no es la primera canción que compone, por aquellos días estaba realizando una selección de entre sus más de trescientas composiciones (algunas ya grabadas), para la publicación de su primer disco en el sello EMI, quienes la había contratado con tan solo 16 años de edad.

   Cuando en 1978 se va a lanzar el disco titulado “The Kick Inside”, Kate Bush impone como single el tema “Wuthering Heights” en contra de la opinión de David Gilmour  (guitarrista de Pink Floyd), quien había promocionado a la cantante y había producido algún tema del disco.

   El tema de un lirismo interpretativo lejano de lo que en aquella época escuchábamos, alcanza  el primer puesto en las listas de éxitos de varios países europeos. A quienes éramos jóvenes en aquellos años nos es difícil olvidar la canción.

   No hace muchos años un trabajador, probablemente un viejo enfermero del manicomio de Armentières, cercano a Lille, encontró hurgando entre los legajos del archivo -que se remontan a su fundación en 1615- un acta de defunción fechada en 1777 que resultó ser la de Jean-François Rameau, el célebre  Sobrino de Rameau  que Diderot utiliza como interlocutor en  su libro del mismo título. 
 

   El viejo empleado que está orgulloso de su centro de trabajo, de la vetusta maison de santé con numerosos pabellones de ladrillo, capilla neogótica, granja, talleres...piensa que añade algo de lustre a la institución cuando un erudito local le confirma la inclusión entre los alienados que allí permanecieron  y murieron a alguien que si bien no llegó a la fama por su propia obra, aunque sea de forma vicaria y sin su conocimiento, está ligado a la historia de la literatura universal. Además este empleado ha solucionado un enigma, el de la situación de Rameau en los últimos años de su vida al descubrir que estuvo internado en Bons-Fils como se llamaba la institución en el Siglo XVIII bajo la orden de una de esas terribles "lettre de cachet" prerevolucionarias.
 

   No es baladí encontrar entre tus asilados a quien se ha encargado de representar la insanía, el discurso de la sinrazón, por parte de Diderot, el director del proyecto de la Enciclopedia, el autor de La religiosa y uno de los pensadores más influyentes de su época.
 

   Sobrino de Jean-Philippe Rameau, debía ser un hombre peculiar, excentrico, brillante, con dotes sobresalientes para la música que sin embargo no le llevan a terminar practicamente ninguna obra que haya merecido ser recordada y que despues de una serie de acontecimientos terribles en su vida -la muerte de su esposa y de sus hijos- se dedica a parasitar a ricachos que aprecian su humor sarcástico y sus bufonadas.
  El libro representa un largo diálogo entre ambos


   Dice Félix de Azúa: "El encuentro es desproporcionado; de un lado está la heroicidad moral, la esperanza en un futuro mejor, la militancia política progresista, el genio literario, la sabiduría filosófica, el propio respeto, la vida como obra de arte; al otro lado está la atribulada búsqueda de una sopa por parte de un excremento público, un payaso, un piojo que vive al amparo del poderoso envilecido."

Me jode confesarlo
pero la vida es también un bandoneón
hay quien sostiene que lo toca dios
pero yo estoy seguro que es Troilo
ya que dios apenas toca el arpa
y mal

Fuere quien fuere lo cierto es
que nos estira en un solo ademán purísimo
y luego nos reduce de a poco a casi nada
y claro nos arranca confesiones
quejas que son clamores
vértebras de alegría
esperanzas que vuelven
como los hijos pródigos
y sobre todo como los estribillos

Me jode confesarlo
porque lo cierto es que hoy en día
pocos
quieren ser tango
la natural tendencia
es a ser rumba o mambo o chachachá
o merengue o bolero o tal vez casino
en último caso valsecito o milonga
pasodoble jamás
pero cuando dios o pichuco o quien sea
toma entre sus manos la vida bandoneón
y le sugiere que llore o regocije
uno siente el tremendo decoro de ser tango
y se deja cantar y ni se acuerda
que allá espera
el estuche.

                                                                        Mario Benedetti

   Dino Saluzzi es uno de esos músicos que nos van asombrando a cada nuevo trabajo que publica. En 2005 junto al percusionista noruego Jon Christensen un “Senderos” arriesgado; en 2006 une a su familia, su hermano, su hijo y su sobrino en una vuelta a sus raíces en “Juan Condori”; y en 2007 a dúo con la cellista Anja Lechner un disco de tangos de cámara en “Ojos negros”.